10
Mar
Austrian composer Georg Friedrich Haas (b. 1953) truly experiments with sound. His extraordinary constructions of micro-intervals and pure harmonics create beautiful and opalescent soundscapes that move in ways that seem at once mysterious and obscure.
Here is the String Quartet No. 2 [1998] played by the Kairos Quartett.
Thanks to NewMusicXX channel on You Tube.
10
Mar
Ivo Malec: Pulsations
a movement from Exempla for Large Orchestra (1994)
2
Mar
Tactus performs Arabia Felix by Charles Wuorinen at the Manhattan School of Music. Mary Kerr - Flute, Rachel Field - Violin, Anne Rainwater - Piano, Jakob van Cauwenberghe - Guitar, Mike Perdue - Vibraphone, Matthias Kronsteiner - Bassoon, Conductor: John Ferrari
Tags: wuorinen1
Mar
Morton Feldman: De Kooning (1963)
Morton Feldman’s elegant chamber work dedicated to the painter “De Kooning” and scored for horn, percussion, piano, violin, and cello was composed in 1963.
After composing works in the early 1950’s that were in graphic notation and left most of the musical parameters (pitch, duration, timbre, event occurence) to the discretion of the performers, Feldman became dissatisfied with the result because although this manner of composing freed the sounds it also freed the kind of subjective expression of the performers that could not create the kind of pure sound-making that Feldman envisioned.
He briefly returned to strictly notated works, found these too confining, and then created works in which most of the parameters were given except for duration and, consequently, coordination among the parts (”The O’Hara Songs” [1962], “For Franz Kline” [1962]). Following this, Feldman began to create works, like “De Kooning”, “False Relationships and the Extended Ending” (1968) and others, which alternate fully determined and indeterminate sections within the same work.
In “De Kooning”, there are coordinated chords (verticalities) and isolated events (single tones and intervals … verticalities stretched out horizontally or melodically) of a duration determined by the performers. The sequence of these single events is given however and players must enter before the last event has died out. These open sequences alternate with traditionally notated measures of rest with exact metronome markings, treating sound and silence in equivalent importance.
The total duration of “De Kooning” is open but tends to be between 14 and 1/2 minutes and 16 minutes. Tiny bells, tubular bells, and vibraphone are mixed with high piano tones and icy string harmonics creating a crystalline texture, that contrasts with a more muted texture of low tympani and bass and tenor drum rolls, pizzicati, low cello tones, low vibraphone notes, lower piano aggregates and sustained horn pitches. The materials are limited to a few gestures on each instrument and create “identities” of a sort (for example, the repeated “foghorn”-like horn notes, the percussion rolls, and so on) that can easily be followed by the ear. The variety of timbre combinations is astonishing and the tempo of their unfolding gives the listeners plenty of time to appreciate their quality. No particular programme is intended, but the changing timbres may spontaneous stimulate imagery for the listener. Or, for another listener, the joy may simply be in sheer richness of the sonic experience, for the sounds themselves.
[”Blue” Gene Tyranny, All Music Guide]
Tags: feldman24
Feb
The Drawing Center (35 Wooster Street, New York) opens a large show (nearly 100 works) of drawings by Iannis Xenakis (1922-2001), including mathematical renderings, architectural plans and sketches for compositions.
I know that it’s a little away from here, but see this page for drawing examples with video and audio.
Listen to Polytope de Cluny.
Tags: xenakis23
Feb
The Wet Ink Ensemble is a New York-based new music collective. Our mission is to present innovative programs of contemporary music, with a focus on creating, promoting, and organizing adventurous American music.
Pendulum V - Alex Mincek - Wet Ink Ensemble from Wet Ink Ensemble on Vimeo.
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Feb
Fortunatamente sono sfuggito al festival nazional-popolare, ma ho passato la serata di sabato prima dormicchiando e poi riflettendo sulla vicenda di Giacinto Scelsi e del suo principale trascrittore, Vieri Tosatti. Riflessioni stimolate da una bella conferenza di Franco Sciannameo a cui ho assistito, nel pomeriggio, al Conservatorio di Trento, dove insegno.
La vicenda è ben nota agli addetti ai lavori (o almeno dovrebbe esserlo), ma vale la pena di riassumerla. In breve, Giacinto Scelsi (1905 - 1988), ormai riconosciuto come uno dei più importanti compositori contemporanei e anticipatore sia della minimal music che dello spettralismo (con i famosi Quattro pezzi per orchestra su una nota sola del 1959), in realtà non ha mai scritto materialmente una nota. Il suo lavoro, invece, consisteva nel registrare su nastro l’essenza delle proprie idee musicali eseguendole (spesso improvvisando) sull’ondiola (nome originale ondioline), una tastiera elettronica inventata dal francese Jenny, in grado di produrre anche quarti e ottavi di tono.
I nastri venivano poi passati a dei trascrittori che, in concerto con il compositore, trascrivevano il materiale su pentagramma, curando anche l’orchestrazione. Il principale fra costoro fu Vieri Tosatti (1920 - 1999) che, in verità, dopo la morte di Scelsi, creò anche una polemica con la dichiarazione “Scelsi c’est moi”, ma il cui contributo passò rapidamente in secondo piano.
E invece, secondo gli studi e i ricordi di Sciannameo, che fu violinista nel quartetto che curò la prima esecuzione dei brani orchestrati da Tosatti per questo organico, dovrebbe essere rivalutato perché il suo sodalizio trentennale con Scelsi lo pone in una posizione che va sicuramente al di là di quella del semplice trascrittore, al punto che molti critici che osannano la genialità sonora di Scelsi, dovrebbero invece ricordare che il “rendering audio” dei lavori di Scelsi è in gran parte opera di Tosatti, essendo quest’ultimo “l’arrangiatore” che ha materialmente orchestrato il materiale di base.
In realtà, anche secondo me, è giusto affermare che i nastri originali andrebbero stampati e diffusi (mi dicono sia in corso un lavoro di catalogazione e “pulitura” del suddetto materiale da parte della Fondazione Scelsi) perché sono proprio questi ad essere storicamente testimoni dell’idea originale di Scelsi, mentre la musica stampata dovrebbe essere considerata come una “trascrizione approvata dal compositore”.
Ma mi chiedo anche se sia proprio così. Il problema è: in che misura i nastri sono depositari dell’idea compositiva? Rappresentano la composizione in quanto unica testimonianza originale, oppure sono soltanto un ulteriore elemento di passaggio verso la formalizzazione di una idea musicale?
Sciannameo ha portato alla luce una corrispondenza risalente agli anni ‘30 fra Scelsi e Walter Kline (descritto spesso come allievo di Schoenberg, ma, secondo Sciannameo, amico di Schoenberg, forse allievo di Berg) che testimonia come l’impostazione compositiva di Scelsi sia stata da sempre un po’ particolare, basata com’era sulla produzione di una idea musicale, lasciando a dei collaboratori il compito di orchestrare e a volte anche di sviluppare il concetto originario.
Questo metodo di lavoro, forse derivante anche dalla condizione aristocratica di Giacinto Scelsi, a mio avviso non ne sminuisce la genialità, ma induce a riflettere sulla genesi e sulla effettiva paternità dell’opera d’arte che, nella tradizione occidentale, è considerata un prodotto del tutto individuale, mentre spesso (e attualmente sempre di più) si rivela essere il prodotto dell’interazione di più di una mente.
Personalmente, devo aggiungere che, alla fine, quello che mi dispiace un po’ in questa vicenda è proprio il fatto che, a causa di un pregiudizio legato alla tradizione individualistica della composizione, il sodalizio Scelsi - Tosatti sia stato tenuto nascosto per molto tempo e sia ancora fonte di studi e polemiche, mentre, secondo me, sarebbe stato vissuto molto meglio dai protagonisti (soprattutto da Tosatti) se fosse stato trasparente e socialmente accettato come una collaborazione perfettamente normale fra due persone, ognuno con il proprio ruolo.
Tags: scelsi15
Feb
9
Feb
Karlheinz Stockhausen, “Mixtur 2003 (Forward Version)”
for 5 orchestra groups, 4 sine-wave generator players, 4 sound mixers, with 4 ring modulators and sound projectionist
From the Musica Viva Festival
Bavarian Radio Orchestra, Lucas Vis
Recorded January 27, 2008
Muffathalle, Munich
The essential aspect of MIXTUR is, on one hand, the transformation of the familiar orchestra sound into a new, enchanting world of sound. It is an unbelievable experience, for example, to see and hear string players bowing a sustained tone and to simultaneously perceive how this tone slowly moves away from itself in a glissando, the pulse accelerates, and a wonderful timbre spectrum emerges. Orchestra musicians are astonished when they hear the notes they play being modulated timbrally, melodically, rhythmically, and dynamically. All shades of the transitions from tone to noise, noise to chord, from timbre to rhythm and rhythm to pitch come into being from such ring modulations, as if by themselves.
Finest micro-intervals, extreme glissandi and register changes, percussive attacks resulting from normally smooth entrances, complex harmonies (also above single instrumental tones), and many other unheard-of sound events result from this modulation technique and from the variable structuring.
Secondly, the ring modulation adds new overtone- and sub-tone series to the instrumental spectra, which can be clearly heard, especially during sustained sounds in MIXTUR. Such mixtures do not occur in nature or with traditional instruments. Through these mirrored overtone harmonies, one is moved by alien, haunting sensations of beauty, which are completely new in art music.
Only such renewal in how music affects us imbues new techniques with meaning.
– Karlheinz Stockhausen
From ANABlog
Tags: stockhausen4
Feb
The sound of Akashic Crow’s Nest begins with the use of an image synthesizer which turns very long photographic images into audio output, in the manner of a piano roll. The initial part of composing this music is thus designing the picture. For this latest project, the first audio output is converted to midi and run through a different softsynth, before being subjected to a battery of effects to get to the sounds you hear on this album.
Download from Webbed Hand Records
Excerpt:
Tags: ambient, drone
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